«Motherboxx Connection» de Tales: A Folklore Symphony para orquesta (2021)
Carlos Simón (nacido en 1986)
Para generaciones de estadounidenses, los cómics fueron los primeros libros realmente apasionantes: emocionantes, baratos y fácilmente disponibles en cualquier quiosco o farmacia. Pero para muchos lectores negros, la escasez de personajes —y especialmente de héroes— que se parecían a ellos mantenía las historias a cierta distancia. Con el fin de abordar esta realidad, el compositor Carlos Simon encontró inspiración en Black Kirby, un colectivo de artistas cuya obra está impregnada del género sociocultural conocido como afrofuturismo y cuyo nombre hace referencia al pionero del cómic Jack Kirby. Simon dedicó la primera parte de su obra Tales: A Folklore Symphony, compuesta por cuatro movimientos, al arte de Black Kirby. La tituló «Motherboxx Connection», en referencia a una motherboxx, un dispositivo ficticio del universo de Black Kirby. (Se dice que una motherboxx es un pequeño ordenador vivo «que es consciente de los múltiples aspectos de la negrura»). Más tarde, Simon revisó «Motherboxx Connection» como una obra independiente.
Nacido en Washington D. C. y criado en Atlanta, Simon aporta una amplia experiencia a este tema. Tiene un doctorado en composición por la Universidad de Michigan, donde tuvo como profesores a Michael Daugherty (conocido por su Metropolis Symphony, inspirada en Superman). Actualmente compositor residente en el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas, Simon ha escrito composiciones con influencias de jazz y gospel para la Orquesta Sinfónica Nacional y la Ópera Nacional de Washington. Ha explorado aspectos de la historia afroamericana en obras como Portrait of a Queen, Warmth from Other Suns y Requiem for the Enslaved, esta última en conmemoración de los 272 hombres, mujeres y niños vendidos en 1838 por la Universidad de Georgetown. Simon mantiene una activa carrera como teclista y ha sido director musical de las cantantes de R&B Jennifer Holliday y Angie Stone.
Tales: A Folklore Symphony fue un encargo de la Sphinx Organization, con sede en Detroit, para su 25.º aniversario, y de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Míchigan, que la estrenó el 26 de enero de 2022 bajo la dirección de Kenneth Kiesler. Motherboxx Connection evoca el heroísmo inquebrantable de los personajes de cómic, basado en un tema majestuoso, similar a una fanfarria. La motherboxx del título también está representada en la partitura con «una idea musical breve y rápida que se entreteje constantemente en toda la orquesta», dice Simon. En última instancia, la pieza de Simon puede encajar en una tradición más amplia de composiciones «folclóricas» de artistas afroamericanos, como la Negro Folk Symphony de William Dawson y la Afro-American Symphony de William Grant Still, al tiempo que ofrece una visión amplia del folclore en nuestra era moderna.
Concierto para violín n.º 1 en sol menor
Max Bruch (1838-1920)
Los libros de historia han caracterizado en ocasiones a Max Bruch como un compositor de un solo éxito —su Concierto para violín n.º 1 en sol menor—, pero esto resta importancia al alcance de sus logros. El concierto se estrenó cuando Bruch tenía solo 28 años, y luego compuso casi otras 100 obras, entre ellas tres sinfonías, tres óperas, una docena de obras corales, diversas canciones y piezas de cámara.
Habiendo estudiado violín desde niño, no hay duda de que Bruch destacaba en obras cálidas para instrumentos de cuerda solistas, entre ellas la Fantasía escocesa para violín y orquesta y el Kol Nidre para violonchelo y orquesta. (Sin embargo, sus conciertos para violín segundo y tercero nunca tuvieron éxito). Pero el concierto para violín en sol menor se expuso en exceso. Según el hijo de Bruch, el compositor se exasperó con las numerosas peticiones de la pieza, y en una ocasión gritó: «¡Otra vez el concierto en sol menor! No podía soportar escucharlo una vez más. Amigos míos, ¡toquen por una vez el segundo concierto o la Fantasía escocesa!».
El concierto en sol menor también se benefició del apoyo de una superestrella. Después de que la pieza no lograra ganar popularidad en su estreno en 1866 a cargo del violinista Otto von Königslöw, Bruch envió el manuscrito al violinista Joseph Joachim para que le diera su opinión. El gran virtuoso le ofreció muchas sugerencias clave, que Bruch aceptó, y Joachim presentó el concierto en su forma definitiva en 1868. Joachim también tenía una estrecha relación con los conciertos de Beethoven, Mendelssohn y Brahms, pero más tarde declaró que el de Bruch era «el más rico y seductor» de todos ellos.
El rapsódico primer movimiento muestra lo que Joachim quería decir, comenzando con un diálogo rapsódico entre la orquesta y el solista, y continuando con dos melodías principales, ambas expansivas y memorables. Sin embargo, este movimiento relativamente corto parece más bien una elaborada introducción al movimiento lento, que le sigue sin pausa. El Adagio es el corazón y el alma del concierto, con tres temas conmovedores y melancólicos que se entrelazan y culminan en un clímax extático. En el tercer movimiento, Bruch da rienda suelta a una danza chispeante y temperamental, llena de técnicas virtuosas para el solista (acordes de cuatro notas, dobles y triples paradas), antes de llegar a un brillante final.
Cuadros de una exposición (orquestación de Ravel)
Modest Mussorgsky (1839-1881)
Mucho antes de que los visitantes de los museos se hicieran selfies y publicaran fotos en Instagram delante de cuadros emblemáticos, Modest Mussorgsky ya creaba arte museístico autorreferencial de tipo musical. En Cuadros de una exposición, el compositor ruso se sitúa a sí mismo en una galería, contemplando diez dibujos, bocetos y acuarelas de su difunto amigo, el arquitecto y pintor Viktor Hartmann.
Hartmann era una joven estrella del mundo artístico ruso que murió de un aneurisma en 1873 a los 39 años. El crítico Vladimir Stassov, que había sido amigo tanto de Hartmann como de Mussorgsky, ayudó a organizar una exposición conmemorativa de la obra de Hartmann en la Academia de las Artes de San Petersburgo. La visita a la exposición conmovió profundamente a Mussorgsky, quien, en homenaje, tradujo diez de las imágenes a una suite para piano. «Mi querido amigo, qué golpe tan terrible», escribió Mussorgsky en una carta a Stassov. «¿Por qué deben vivir un perro, un caballo, una rata y deben morir criaturas como Hartmann?». Los virtuosos del piano acogieron con entusiasmo la suite y, en 1922-23, Maurice Ravel la arregló brillantemente para orquesta completa.
En cuanto a su «selfie» musical, Mussorgsky reconoció en una de sus cartas que el tema recurrente de Promenade lo representa a él mismo paseando por la galería, con una melodía amplia y desequilibrada que refleja su propio físico corpulento. Las secciones individuales son:
- Paseo. Anunciado por la trompeta solista.
- Gnomus. Esta sección se inspiró en el diseño de Hartmann para un cascanueces de madera tallada con forma de gnomo malvado.
Promenade. - El viejo castillo. Con una nostálgica melodía de saxofón, esta sección se basa en una acuarela de un trovador cantando ante un castillo medieval italiano.
Paseo. - Tuileries. El dibujo de Hartmann, ahora perdido, representaba el jardín parisino lleno de niños y sus niñeras.
- Bydło. Utilizando la palabra polaca para «ganado», esta sección muestra una carreta tirada por bueyes típica de Polonia.
- Paseo marítimo.
- El ballet de los pollitos en sus cáscaras. Representa a dos bailarinas luciendo los trajes de Hartmann, hechos con cáscaras de huevo y adornados con plumas.
- Samuel Goldenberg y Schmuÿle. Dos dibujos a lápiz de Hartmann inspiraron esta sección, que Mussorgsky denominó «dos judíos: uno rico y otro pobre».
- Paseo marítimo.
- El mercado de Limoges. Un retrato de un bullicioso mercado francés.
- Catacumbas. Una pintura del propio Hartmann recorriendo las catacumbas de París, cuya grandeza y quietud se evocan con acordes en bloque.
- Cum mortuis in lingua mortua. Mussorgsky escribe en la partitura: «Un texto en latín: "Con los muertos en una lengua muerta"». Y añade: «El espíritu creativo de Hartmann me lleva al lugar de las calaveras y las llama; las calaveras comienzan a brillar débilmente desde dentro».
- La casita sobre patas de gallina. El dibujo de Hartmann representa la casa de Baba Yaga, la bruja del cuento ruso.
- La Gran Puerta de Kiev. El resplandeciente final se basa en la propuesta no seleccionada de Hartmann para un concurso de diseño de una puerta ornamental en Kiev (Kyiv). Rematada con una cúpula con forma de antiguo casco ruso, se trata de una puerta fantástica, que sugiere una majestuosa estructura de gran antigüedad. En la actualidad, este movimiento se ha presentado como homenaje al pueblo de la asediada capital ucraniana.
Notas del programa por Brian Wise
