Trío de cuerda en do menor, op. 9, n.º 3
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Cuando Beethoven se embarcó en sus primeras obras de cámara, inicialmente evitó el cuarteto de cuerda, una forma que Haydn y Mozart habían monopolizado efectivamente en la Viena de la década de 1790. En su lugar, ofreció los tríos de cuerda Opus 9, una colección que en muchos sentidos anticipa los estados de ánimo y las técnicas de sus 32 cuartetos de cuerda.
Beethoven dedicó los tríos Opus 9 al conde Johann Georg von Browne, un oficial del ejército ruso que se estableció en Viena. Según todos los testimonios, Browne era rico, generoso y problemático. Descrito por un conocido como «uno de los hombres más extraños», pasó un tiempo en una institución tras sufrir una crisis nerviosa. Sin embargo, fue un firme partidario de Beethoven y le regaló un caballo como agradecimiento por una serie de variaciones para piano dedicadas a su esposa. Beethoven encontró un establo para el caballo, lo montó unas cuantas veces y pronto se olvidó de él (el propietario del establo se hizo cargo de su cuidado).
En una carta dedicatoria al conde Browne, Beethoven describió los tríos de cuerda Op. 9 como «lo mejor de mi obra» y, aunque no recibió un segundo caballo por su esfuerzo, sí avanzó en su trayectoria creativa. Compuesta en do menor, su tonalidad favorita para expresar urgencia y tensión dramáticas, la Op. 9, n.º 3 comienza con un motivo ominoso de cuatro notas. Este se convierte en un tema completo y, a partir de ahí, el movimiento nunca pierde su espíritu apasionado. El celestial movimiento lento, en do mayor, tiene un carácter hipnótico, ya que la música oscila entre momentos de reposo y puntuaciones dramáticas. El Scherzo, de nuevo en do menor, tiene una energía nerviosa y sincopada, aliviada brevemente por una sección de trío en do mayor. El final de Beethoven está lleno de escalas rápidas y enredos temáticos antes de un final travieso y susurrante.
Danses sacrée et profane(Danzas sagradas y profanas)
Claude Debussy (1862-1918)
La exquisita obra Danses sacrée et profane, compuesta por Debussy en 1904, fue un encargo de la empresa parisina fabricante de pianos Pleyel, Wolff et Cie para promocionar su nuevo modelo de instrumento, el arpa cromática.
Diseñado en 1897 por el director de la empresa, Gustave Lyon, se decía que el arpa cromática era una respuesta al creciente cromatismo de la música orquestal moderna. El instrumento no necesitaba pedales para cambiar el tono de las cuerdas, sino un segundo plano de cuerdas. Sobre el papel, esto tenía cierta lógica. Un arpa convencional tiene 47 cuerdas, cada una de las cuales puede elevarse dos semitonos mediante pedales. Un arpa cromática contenía 78 cuerdas: 46 cuerdas alineadas en el lado izquierdo de la caja de resonancia (análogas a las teclas blancas de un piano) y 32 en el lado derecho (que representan las teclas negras). Los 12 tonos de la escala cromática podían tocarse solo con las manos.
Dado que habría que convencer a los arpistas para que aprendieran a tocar el nuevo instrumento, Pleyel propuso una estrategia de marketing que incluía la pieza «demostrativa» de Debussy. Para entonces , el compositor ya se había labrado una reputación con obras como Preludio a la siesta de un fauno, Nocturnos yPelléas etMélisande. Presentó dos movimientos de danza elegantes y delicados, cada uno de ellos compuesto para arpa y cuerdas. El primero, Dansesacrée, sugiere una religiosidad antigua, mientras que el segundo, Danse profane, es un vals vertiginoso que, como señaló Manuel de Falla, contiene un matiz de color español terrenal.
Incómoda y difícil de afinar, la arpa cromática no tuvo éxito. Su fabricación cesó en menos de una década. Afortunadamente, los arpistas modernos han descubierto que la pieza de Debussy es igual de eficaz en una arpa de pedales convencional, sin obstáculos importantes para el intérprete.
Quinteto para piano en la mayor n.º 2, op. 81
Antonín Dvořák (1841-1904)
El Quinteto para piano en la mayor de Dvořák es uno de los grandes hitos de la música de cámara del siglo XIX, y esto se lo debemos a la voluntad del compositor checo de revisar su pasado.
Al principio de su carrera, Dvořák compuso un quinteto para piano en La mayor (Op. 5), pero tras su estreno en 1872, al parecer no quedó satisfecho y perdió o destruyó el manuscrito. Sin embargo, el formato del quinteto se le quedó grabado y, quince años más tarde, pidió prestada a un amigo una partitura que se había conservado con el objetivo de revisarla. De este proceso surgió un quinteto para piano completamente nuevo, el Op. 81. Se trata de una obra optimista y serena que refleja toda su maestría como compositor maduro, rica en melodías cautivadoras, vitalidad rítmica, elegante orquestación y un sabor folclórico de Europa del Este.
El violonchelo abre el primer movimiento con un tema elocuente sobre acordes arpegiados de piano. Apenas pasan una docena de compases antes de que el conjunto se precipite abruptamente hacia el segundo tema en do menor. Si bien este giro brusco es característico de la música folclórica bohemia, la sensibilidad eslava de Dvořák se manifiesta más plenamente en el segundo y tercer movimiento. El segundo movimiento se basa en una dumka, una balada folclórica melancólica con raíces ucranianas. Como señala el estudioso de Dvořák Michael Beckerman, el movimiento tiene el ritmo de una marcha fúnebre y parece haberse inspirado en el Quinteto para piano en mi bemol mayor de Robert Schumann.
El travieso tercer movimiento es una versión estilizada de un furiant, una danza folclórica bohemia, y un recordatorio de que Dvořák compuso gran parte de la partitura en su rústica casa de verano en Vysoka. El final no se basa en ninguna forma folclórica, pero el campo checo permanece a la vista, incluso cuando Dvořák introduce una fuga «culta» a mitad de camino. Esto da lugar a un coral solemne, un momento final de reflexión antes de que el tempo se acelere y el movimiento se precipite hacia un final exuberante.
Notas del programa por Brian Wise
