Cuarteto fantástico para oboe y cuerdas, op. 2
Francis Poulenc (1899-1963)
Años antes de consolidar su lugar en la historia con óperas sobre marginados conflictivos (Peter Grimes, Billy Budd) y un Réquiem de guerra impregnado de ideales pacifistas, Benjamin Britten era un prolífico compositor de música instrumental. A los 19 años, cuando era estudiante becado en el Royal College of Music de Londres, Britten participó en un concurso organizado por Walter Willson Cobbett, un acaudalado empresario y violinista aficionado que sentía un gran interés por la fantasía (o phantasy), un género que floreció en el siglo XVII en obras para laúd, viola y teclado. El concurso de Cobbett atrajo a lo más granado del talento británico de principios del siglo XX, entre ellos Ralph Vaughan Williams, Gustav Holst y los propios profesores de Britten, John Ireland y Frank Bridge.
El propio Britten ganó el concurso en 1932 con su Phantasy Quintet, una exuberante partitura poseduardiana. En una especie de racha fantástica, le siguió el Phantasy Quartet para oboe y trío de cuerda. Aunque no consiguió el premio Cobbett, sí que supuso un impulso para su carrera, gracias a una emisión de radio de la BBC en 1933 en la que participó Leon Goossens, el mejor oboísta inglés de la época. La emisión y el concierto posterior en Londres recibieron críticas favorables, y la pieza fue seleccionada para su interpretación en el Festival ISCM de Florencia en 1934.
Compuesta en forma de arco modificado, la Fantasía para cuarteto, de un solo movimiento, se abre y se cierra con una marcha sombría, sobre la que el oboe interpreta una serie de sinuosas melodías. Las texturas son incisivas en todo momento y hay una deliciosa interacción entre el oboe y las cuerdas. Algunos oyentes perciben una modalidad folclórica «pastoral» inglesa en la sección final, un recordatorio de que el brillante joven compositor apenas estaba comenzando a desarrollar su voz musical.
Sexteto en Do mayor para piano y vientos, FP 100
Francis Poulenc (1899-1963)
El año 1932 dio lugar a otra obra distintiva para conjunto de cámara mixto, el Sexteto en do mayor para flauta, clarinete, oboe, fagot, trompa y piano de Francis Poulenc. Como miembro de Les Six, un grupo de jóvenes compositores franceses irreverentes, Poulenc buscó una nueva dirección para la música francesa, inspirándose en los cabarets, circos y salones de baile parisinos, en lugar de los mundos sonoros más refinados de Debussy y Ravel. Poulenc recordó en una ocasión que «frecuentaba sin cesar los music-halls parisinos» durante su adolescencia y juventud, prefiriendo locales modestos donde corría la cerveza y artistas como Maurice Chevalier y Jeanne Bloch cantaban baladas para una clientela de clase trabajadora.
Con este trasfondo, el Sexteto de Poulenc avanza con el pulso despreocupado de un boulevardier parisino, salpicado de momentos de irónica nostalgia. El primer movimiento es una toccata alegre que recuerda el neoclasicismo de Stravinsky; una sección central lírica insinúa «My Melancholy Baby», mientras la melodía pasa de un instrumento a otro. El segundo movimiento se abre con un aire cantarín, impulsado por el oboe, antes de introducir un tema más contundente, similar al de un circo. El finale prestissimo es un rondó modificado que se mueve entre ritmos de danza sincopados y una melodía cantarina, antes de fusionarse en una vigorosa conclusión.
Sexteto de cuerda n.º 2 en sol mayor, op. 36
Johannes Brahms (1833-1897)
Con su Sexteto de cuerda n.º 2, Brahms nos adentra en el mundo de su tormentosa vida amorosa. Al instalarse en su casa de verano en Baden-Baden en 1864, el compositor se sintió abrumado por la nostalgia de una historia de amor que había vivido seis años antes con Agathe von Siebold, una soprano inteligente y hermosa cuya voz se comparaba con un violín Amati. La pareja había intercambiado innumerables cartas de amor y, pronto, sus anillos de compromiso. El mundo de la música estaba alborotado con los rumores sobre la inminente boda.
Unas semanas más tarde, el Concierto para piano n.º 1 de Brahms fue criticado en su estreno en Leipzig, lo que llevó al compositor a replantearse sus prioridades. No podía soportar la idea de ser un compositor fracasado —su destino aparente en ese momento— y, por lo tanto, ser compadecido por su esposa. Ya fuera por inseguridad o por las peculiaridades de la política matrimonial del siglo XIX, Brahms rompió apresuradamente el compromiso. Agatha nunca se recuperó del todo y, hacia el final de su vida, escribió una pequeña y triste novela sobre la aventura con Brahms.
Ya fuera acosado por la culpa o rumiando sobre lo que podría haber sido, Brahms volvió a la historia mientras componía su Sexteto. El primer movimiento conmemora a Agathe traduciendo su nombre a la música —A-G-A-H-E (siendo H la grafía alemana de B)— en el clímax de la exposición. Algunos oyentes también han detectado «A-D-E» —«adiós» en alemán— en el contrapunto. El autor y comentarista del programa James Keller escribe: «Puede que sea exagerado aceptar que Brahms tradujera una frase completa a notación musical —«Agathe, adieu!»—, pero tampoco debemos subestimar a nuestro compositor». Keller añade: «No hay duda de que el Sexteto en sol mayor representó un proceso de liberación psicológica para Brahms».
El tono melancólico y nostálgico continúa en el nervioso movimiento scherzo, solo interrumpido por una sección central juguetona con ritmo ländler. El tercer movimiento es un conjunto de variaciones melancólicas, mientras que el final avanza hacia ritmos de danza robustos en compás ternario. ¿Un último baile con Agathe antes de seguir adelante? Es imposible saberlo, pero también es difícil ignorar la nostalgia que se esconde bajo la superficie alegre de la música.
Notas del programa por Brian Wise
