Historia de Kyle MacMillan
Foto de J. Henry Fair
Ningún compositor estadounidense es más respetado que John Corigliano, aunque Philip Glass o John Adams puedan gozar de mayor reconocimiento. A sus 85 años, se ha convertido en un importante puente entre compositores de generaciones anteriores, como Samuel Barber, que era un amigo íntimo, y mentores de jóvenes talentos como Mason Bates, Nico Muhly y Eric Whitacre.
Junto con Aaron Copland, otro gigante anterior del siglo XXsiglo, Corigliano es uno de los dos únicos compositores que han ganado un Óscar a la mejor banda sonora original y el Premio Pulitzer de Música. Recibió estos dos prestigiosos galardones, respectivamente, por su banda sonora de la película de 1998 El violín rojo de 1998 y por su Sinfonía n.º 2 para orquesta de cuerda, que se estrenó en 2000.
Corigliano ejerce como compositor residente del Festival de Música de Colorado 2023, y estará presente el 13 de julio de 2023 cuando el director musical Peter Oundjian y la Orquesta del Festival presenten tres de sus obras, comenzando con Gazebo Dances (1972) y One Sweet Morning para voz y orquesta (2010). Completa el programa Triathlon (2020), un concierto para saxofón compuesto para Timothy McAllister, un músico de renombre internacional que regresa tras haber sido solista en City Noir de Adams como parte del festival del verano pasado.
Cuando este neoyorquino de toda la vida estudiaba composición en la década de 1950 en la Universidad de Columbia, el serialismo y la música dodecafónica dominaban el campo, y cualquiera que se atreviera a componer en estilos más tonales solía ser reprendido o relegado a un segundo plano. Mientras que algunos compositores cedieron ante la presión, Corigliano dijo que él era «muy valiente» como novato y sentía que lo que hacía era lo correcto, por lo que siguió su propio camino. «No era algo a lo que fuera a ceder en términos de estilo», dijo en una entrevista reciente para el Festival.
Al mismo tiempo, Corigliano no sucumbió al encanto del minimalismo, con sus motivos iterativos y progresiones armónicas graduales, que proporcionaron a compositores como Glass y Terry Riley una vía para escapar de la represión del atonalismo. Corigliano considera el minimalismo como el extremo opuesto al serialismo, y no le interesaba adherirse a ese movimiento más de lo que le interesaba el anterior. En cambio, al igual que ha hecho con otros estilos que se remontan al Renacimiento, tomó prestadas ciertas técnicas minimalistas y las utilizó, por ejemplo, en Fantasia on an Ostinato, que escribió en 1985 para el Concurso Internacional de Piano Van Cliburn. «Así que tomé lo que me gustaba del minimalismo, descarté lo que no me gustaba y lo incorporé a mi técnica», afirmó.
A diferencia de otros compositores, él no inventa temas musicales y luego los anota para utilizarlos más adelante. «Por desgracia, yo no pienso así», afirma. «Tengo que ponerme límites, porque utilizo muchas cosas que son estilísticamente diferentes. No puedo limitarme a pensar en melodías, porque puede que no sea eso lo que vaya a escribir». Corigliano siempre ha desarrollado primero la arquitectura de sus obras, creando gráficos que trazan los tempos, la dinámica, etc., y luego vuelve y rellena las ideas musicales más tarde.
Corigliano ha escrito dos óperas, empezando por la más conocida, Los fantasmas de Versalles, basada en la última de las tres famosas obras de Pierre Beaumarchais del siglo XVIIIsiglo XVIII, todas ellas con los personajes de Fígaro, un barbero siempre astuto e ingenioso, y el conde Almaviva. Las adaptaciones de las dos primeras obras de la serie, El barbero de Sevilla El barbero de Sevilla de Rossini y Las bodas de Fígaro, se encuentran entre las óperas más famosas jamás escritas. Fantasmas se estrenó en la Ópera Metropolitana en diciembre de 1991 y se reestrenó allí en 1994-95. En el verano de 2021, la Ópera de Santa Fe estrenó El El señor de los gritos, anunciada como una mezcla de Drácula Drácula de Bram Stoker y Las bacantes de Eurípides.
El compositor también aporta el sentido de la teatralidad, tan importante en la ópera, a algunas de sus obras instrumentales. A veces, este toque teatral puede ser tan sencillo como el diálogo entre los músicos fuera del escenario y la orquesta en el escenario, como en To Music (1994), lo que el compositor denomina una «apertura de concierto». O puede verse con un efecto mucho más grandioso en la Pied Piper Fantasy, un concierto estrenado por el famoso flautista James Galway y la Filarmónica de Los Ángeles en 1982. En el séptimo y último movimiento, el solista cambia a una flauta irlandesa y conduce a tres grupos de niños intérpretes del público al escenario y luego fuera de la sala, siguiendo la leyenda del flautista de Hamelin.
Otro ejemplo es Circus Maximus, su Sinfonía n.º 3 para gran conjunto de viento. En esta ambiciosa obra, los músicos rodean al público y el sonido viaja a veces de forma circular, muy similar a como lo harían las cuadrigas en el gigantesco estadio del mismo nombre de la época romana. Mientras que Circus Maximus está dedicada a los instrumentos de viento, la Sinfonía n.º 1 (1988-89) del compositor, escrita como respuesta a la epidemia del sida, es para orquesta completa, y la Sinfonía n.º 2 requiere una orquesta de cuerda.
Como dejan claro estas tres obras contrastantes, a Corigliano no le gusta repetirse. De hecho, las sinfonías son excepciones, porque normalmente crea solo una obra en cada forma, como su único cuarteto de cuerda. «Me resulta muy difícil componer», dijo. «La dificultad es tan grande cuando escribo algo, que solo escribo una. Escribí un concierto para piano. Eso es todo». Pero por muy diferentes que sean sus obras, en todas ellas se puede escuchar la voz identificable de Corigliano.
¿Cuál será el legado de Corigliano? Él no está seguro. «Mientras esté vivo, habrá cosas que se harán de vez en cuando», dijo. «Pero cuando ya no esté, no lo sé». Dejando a un lado su humildad, hay muchas posibilidades de que su música se siga interpretando en el futuro. Después de todo, varias de sus piezas ya forman parte del repertorio estándar. Su Concierto para clarinete (1977), por ejemplo, se interpreta habitualmente junto con otras obras de Aaron Copland, Carl Maria von Weber, Wolfgang Amadeus Mozart y Carl Nielsen. Y no está nada mal.
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