J. S. Bach, Concierto para teclado en la mayor BWV 1055
Como director municipal de música en Leipzig, J. S. Bach tenía dos responsabilidades principales: supervisar la música en las iglesias de la ciudad y dirigir el Collegium Musicum, un conjunto de músicos profesionales y universitarios que ofrecía conciertos semanales en cafeterías y jardines públicos. Fue para esta última organización para la que compuso casi todos sus conciertos para clavecín, incluido el Concierto para teclado en la mayor.
Bach asumió la dirección del Collegium Musicum de manos de su fundador, Georg Philipp Telemann, y a partir de 1729 organizó regularmente programas los viernes por la noche en la cafetería de Gottfried Zimmermann (un precursor lejano de los locales «alternativos» actuales). La afiliación de Bach al Collegium duró más de una década y dio lugar a los primeros conciertos para teclado solista, ya que el clavicémbalo había sido principalmente un instrumento de acompañamiento en entornos grupales. No se trataba de composiciones totalmente originales, sino más bien de arreglos «ampliados» de conciertos escritos anteriormente para otros instrumentos.
Es probable que el concierto BWV 1055 comenzara como un concierto (ahora perdido) para oboe d'amore, dado que las melodías de la mano derecha del teclado se alinean perfectamente con el rango de ese instrumento. Los estudiosos creen que este fue uno de los últimos conciertos que Bach reescribió, dada su notable sofisticación. El Allegro inicial se basa en el principio del ritornello, introducido por Antonio Vivaldi, en el que el conjunto completo, que toca el tema principal, se alterna con pasajes más vistosos para el solista y los instrumentos de cuerda que lo acompañan.
El Larghetto central, en 12/8, es un aria para teclado, una melodía melancólica salpicada de disonancias. El Allegro final presenta un tema principal que incluye un salto ascendente seguido de escalas descendentes. Uno podría imaginar al público de la cafetería aplaudiendo o zapateando al ritmo de los robustos ritmos danzantes.
Jessie Montgomery, Rondas para piano y orquesta de cuerda (2022)
Jessie Montgomery ganó el premio Grammy a la mejor composición clásica contemporánea el pasado mes de febrero por Rounds, una de las seis obras que el pianista Awadagin Pratt encargó hace unos años y que posteriormente recopiló en su álbum Stillpoint, publicado en 2023 . A cada uno de los seis compositores participantes se le pidió que interpretara una parte de la obra maestra poética de T. S. Eliot, The Four Quartets. Montgomery se inspiró en los primeros versos del poemaBurnt Norton, de Eliot, que dicen así:
En el punto inmóvil del mundo que gira. Ni carne ni sin carne;
Ni desde ni hacia; en el punto inmóvil, ahí está la danza,
Pero ni arresto ni movimiento. Y no lo llames fijidad,
Donde se reúnen el pasado y el futuro. Sin movimiento ni hacia ni desde,
Ni ascenso ni descenso. Excepto por el punto, el punto inmóvil,
No habría baile, y solo existe el baile.
Montgomery no es ajena a los textos emblemáticos. Una de sus primeras obras importantes fue Banner, una meditación de 2017 sobre The Star-Spangled Banner, compuesta para el 200 aniversario del himno. Nacida en la ciudad de Nueva York, donde estudió en la Juilliard School y en la Universidad de Nueva York, Montgomery ha tocado el violín en el PUBLIQuartet y en el Catalyst Quartet. La pasada primavera, terminó un mandato de tres años como compositora residente Mead con la Orquesta Sinfónica de Chicago, donde entre sus obras encargadas se encontraba Hymn for Everyone, una meditación de 2021 sobre la pandemia y la agitación sociopolítica.
En Rounds, Montgomery recurre a una mezcla heterogénea de intereses. Hace referencia a los fractales (los patrones infinitos que se encuentran en la naturaleza) y a los escritos de Andreas Weber, un biólogo y filósofo alemán que escribe sobre la interdependencia de los seres vivos. «Al igual que Eliot enFour Quartets», explica, «para empezar a comprender esta interconexión es necesario que reduzcamos la velocidad, escuchemos y observemos tanto el efecto como el efecto contrario que provoca cada acción y cada momento». Y añade: «He descubierto que se trata de un ejercicio que se presta de forma muy natural a las posibilidades gestuales musicales que exploro en la obra: acción y reacción, oscuridad y luz, estancamiento y rapidez».
Rounds contiene tres secciones: Rondine, Jugando con opuestos y Fractales. La sección final presenta una cadencia solista que puede improvisarse en parte. Desde su estreno en 2022, Rounds se ha interpretado más de 30 veces en todo el mundo.
Rimsky-Korsakov, Scheherazade ( )
El personaje de Scheherazade, la joven de Las mil y una noches que se ve obligada a casarse con un rey asesino y utiliza su talento para contar historias para evitar ser ejecutada, es el protagonista de dos programas del Festival de Música de Colorado de este año. El ciclo de canciones Shéhérazade, compuesto por Ravel en 1903, cerrará la temporada el 4 de agosto, pero antes se interpretará la evocadora y onírica suite sinfónica de Nikolái Rimski-Kórsakov, compuesta en 1888.
El compositor ruso estaba ocupado terminando la ópera inacabada de Alexander Borodin,El príncipe Ígor, en el invierno de 1887, cuando su ambientación en Asia Central le dio una idea: una pieza basada en Las mil y una noches, la colección de cuentos árabes, indios y persas escritos en árabe y que se remontan al siglo VIII. El orientalismo estaba muy de moda y los cuentos de Aladino, Simbad y Alí Babá se prestaban perfectamente a la colorida paleta orquestal rusa del siglo XIX.
Rimsky-Korsakov se debatió entre vincular la música al texto de forma muy estrecha o no, y finalmente se decantó por una interpretación sugerente, en lugar de literal. No obstante, la suite comienza con una descripción gruñona del sultán Shahryar, el rey misógino que cada noche hace traer a una de las mujeres de su harén y la ejecuta a la mañana siguiente. Entra Scheherazade, representada por una sinuosa melodía de violín. Experta en el arte de contar historias, lo entretiene con sus relatos llenos de suspense, retrasando así su ejecución. Según cuenta la historia, tras 1001 noches, el rey decide que ella es lo suficientemente fiel y abandona su despiadado plan de asesinato.
En el primer movimiento, titulado «El mar y el barco de Simbad», los violonchelos introducen un acompañamiento ondulante que puede recordar el servicio de Rimsky-Korsakov en la marina rusa. El tema de Scheherazade da comienzo al segundo movimiento, «La historia del príncipe Kalendar», cuyo título hace referencia a los miembros de una orden mística sufí errante. Tras una breve introducción del violín solista, las melancólicas melodías del fagot y el oboe esbozan un tema y variaciones, puntuadas por fanfarrias de metales.
El lírico tercer movimiento, «El joven príncipe y la joven princesa», traza una narrativa romántica con ondulantes figuras de clarinete y flauta, suaves florituras de arpa y efectos de percusión, antes de que Scheherazade vuelva a tomar la palabra. El final se titula «Festival en Bagdad. El mar. Un barco se estrella contra un acantilado coronado por un jinete de bronce». El ambiente es animado y agitado, pero no termina con un naufragio, sino con un epílogo exuberante, en el que Rimski-Kórsakov despliega todo su poderío en cuanto a color y brillantez orquestales.
— Brian Wise
