Anna Clyne
Masquerade
Cuando la BBC Proms le pidió a la compositora británica Anna Clyne que escribiera una pieza para abrir el festival de 2013, ella se inspiró en un legendario episodio de la historia de Londres: los conciertos del siglo XVIII que se celebraban en los jardines de recreo de la ciudad. Estos eran lugares frondosos y muy populares después del trabajo, donde la gente común podía codearse con los aristócratas, y todos acudían para escapar del ruido y la suciedad de la vida urbana. Por uno o dos chelines, los visitantes podían disfrutar de domadores de leones, adivinos, bailarinas exóticas, acróbatas, fuegos artificiales y bailes de máscaras. El más famoso de los jardines rococó, el de Vauxhall, cerró en 1859, tras dos siglos de actividad en la orilla sur del río Támesis.
La imagen de un parque de atracciones, con su mezcla de actividades, encajaba perfectamente con Clyne, cuya música a menudo se ha inspirado en formas artísticas dispares. Su obra orquestal Night Ferry explora la idea de los viajes y los «mundos encantados», inspirándose en Schubert. El concierto para violonchelo DANCE se inspiró en un texto de Rumi, mientras que Color Field se inspiró en un cuadro de Mark Rothko.
Escrita para la Last Night of the Proms, la famosa y bulliciosa celebración con banderas en el Royal Albert Hall de Londres, Masquerade evoca naturalmente un ambiente de carnaval, similar al de la Obertura de carnaval de Dvorak o Petrushka de Stravinsky . Para su tema principal, Clyne dice que imaginó un coro «dando la bienvenida al público e invitándolo a su mundo imaginario». El segundo tema se basa en «Juice of Barley», una canción irlandesa para beber que se remonta al siglo XVII. Todo ello colisiona en una atmósfera de delirante y embriagador pandemónium.
«En combinación con los trajes, las máscaras y los elaborados decorados, las mascaradas creaban una atmósfera emocionante, aunque controlada, de celebración y festividad», concluye Clyne. «Esto es lo que deseo evocar enMasquerade».
Antonín Dvořák Concierto para violonchelo en si menor, op. 104, de
Fue Victor Herbert, compositor de 43 operetas, entre ellas Babes in Toyland, quien animó a Dvořák a escribir lo que se convertiría en el concierto para violonchelo más famoso de todos los tiempos. En 1894, Dvořák vivía en Nueva York y daba clases en el recién creado Conservatorio Nacional de Música cuando asistió al estreno del Segundo concierto para violonchelo de Herbert, con el compositor como solista junto a la Filarmónica de Nueva York. Herbert era compañero suyo en el conservatorio y violonchelista principal de la Ópera Metropolitana.
Hasta ese momento, Dvořák tenía serias dudas sobre la conveniencia de componer una obra para violonchelo y orquesta. Consideraba que el registro agudo del instrumento era demasiado nasal y débil, y que el grave era demasiado grave para proyectarse por encima de un conjunto. Había rechazado las peticiones de su amigo Hanuš Wihan, violonchelista del Cuarteto de Cuerda Checo, para que le compusiera un concierto. Aunque es difícil saber por qué la partitura de Herbert hizo que Dvořák cambiara de opinión, le causó una impresión tan profunda que ocho meses después se embarcó en su propio concierto, dedicado a Wihan.
Wihan era un colaborador difícil. Hizo varias revisiones al concierto e incluso insertó una coda de 59 compases en el final, lo que Dvořák rechazó rotundamente. Pero otra persona desempeñó un papel aún más importante en el resultado de la obra. Mientras Dvořák escribía el segundo movimiento, recibió la noticia de que su cuñada Josefina Kaunitzová estaba gravemente enferma. Unos 30 años antes, ella había sido alumna de piano del compositor, quien estaba profundamente enamorado de ella. Ella nunca le correspondió y Dvořák se casó con su hermana menor, Anna. Pero parte de ese antiguo afecto perduró y, como homenaje, citó una de las melodías favoritas de Josefina, «Kéž duch můj sám» (Déjame en paz), de sus Cuatro canciones, op. 82, en el segundo movimiento. Después de que Dvořák regresara a su hogar en Bohemia, le llegó la noticia de la muerte de Josefina, e inmediatamente revisó la coda del concierto para incorporar un último recuerdo de su melodía favorita.
Incluso sin el trasfondo de la muerte de Josefina, el Concierto para violonchelo es, según el escritor Michael Steinberg, «una obra de elocuencia oscura e inquietante», marcada por un sentimiento de nostalgia por su patria checa. Tras una ardiente introducción orquestal, el primer movimiento es amplio y expansivo, especialmente notable por el anhelante segundo tema introducido por el cuerno solista. La música es ricamente desarrollada por el solista, que en ocasiones debe tocar de manera «cuasi improvisada», antes de que el movimiento concluya con un brillante clímax grandioso. El segundo movimiento irradia calidez emocional, con la canción favorita de Josefina dominando la sección central. El rondó final es emocionante y danzante, pero una coda aporta un momento de serena contemplación en medio del bullicioso entusiasmo.
Felix Mendelssohn
Sinfonía n.º 4 «Italiana»
A los veinte años, Felix Mendelssohn comenzó a plasmar sus extensos viajes en una serie de coloridas obras orquestales. Escocia inspiró la Obertura de las Hébridas y la Sinfonía Escocesa, mientras que Italia fue la fuente de inspiración de la Sinfonía n.º 4. Compuesta con un brío fresco, la Sinfonía Italiana es la postal definitiva de un viaje por carretera, ya que captura el sol mediterráneo, la riqueza artística y los magníficos paisajes naturales del país.
Cuando Mendelssohn emprendió su viaje por Italia, hizo una primera parada en Weimar para reunirse con Goethe, que ya había superado los 80 años y estaba dando los últimos retoques a la segunda parte de su colosal Fausto. Los dos artistas habían entablado una insólita amistad cuando Félix era un prodigio de 12 años; ahora pasaban muchas horas juntos, Mendelssohn le presentaba sus últimas composiciones y Goethe quizá recordaba la Italia de sus propios viajes de juventud. Pasaron otros cuatro meses antes de que Mendelssohn llegara finalmente a Venecia, el 9 de octubre de 1830. Sus cartas describen sus encuentros con las pinturas de Tiziano y otros maestros del Renacimiento, sus paseos por las verdes colinas de las afueras de Florencia y un invierno en Roma, donde conoció a Héctor Berlioz por primera vez y vivió la juerga de la temporada de carnaval. Después de explorar Nápoles y Milán, el compositor se dirigió de nuevo al norte, cruzando los Alpes.
El primer movimiento Allegro comienza con una llamada a la aventura, con un tema vigorizante para violín subrayado por figuras de instrumentos de viento-madera, que capturan la arrogancia de un joven ansioso por ver el mundo. Como observó el propio compositor: «Lo que he esperado toda mi vida como la mayor felicidad ha comenzado ahora, y estoy disfrutándolo». Más tarde añadió: «Todo el país tenía un aire tan festivo que me sentí como si fuera un joven príncipe haciendo su entrada».
El casto Andante pudo haber sido inspirado por una procesión religiosa que Mendelssohn presenció en las calles de Nápoles. El tercer movimiento se acerca más a un minueto de estilo clásico que a un scherzo posbeethoveniano, con sus lejanas llamadas de trompa que evocan los claros del bosque de El sueño de una noche de verano, de Mendelssohn. El compositor denominó a su final en tono menor «saltarello», una danza folclórica italiana rápida y saltarina, aunque algunos creen que se asemeja a una tarantela, que en su día se prescribía como cura para la picadura de la tarántula.
Mendelssohn dirigió el estreno de su Sinfonía Italiana en 1833 en las Hanover Square Concert Rooms de Londres, pero nunca quedó del todo satisfecho con su diario musical y, tras numerosos retoques, retiró la obra de la publicación. Tras su prematura muerte en 1847, la pieza fue finalmente publicada y acogida en el repertorio.
—Brian Wise
